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Joan Miro 胡安·米罗
胡安·米罗为20世纪其中一位最享负盛名的西班牙艺术家，在漫长及丰硕的创作生涯里，他一直热衷于演绎日常物品及发掘它们内在的诗情画意。他毕生的抱负是将艺术与生活连系起来，凭着他独特的洞察力，他从日常生活中最不起眼的物品中找到具诗意的特质。
米罗笔下的星星月亮太阳，一个个抽象符号，被认为是抽象画的经典，也是他最着名的绘画风格，但其实米罗深受立体派、超现实主义，甚至达达主义的影响，画风多变。他决心要将诗画合而为一，要革新绘画这种传统艺术媒界，甚至曾说过：“我要刺杀绘画！”
米罗曾与超现实画派关系密切，这些超现实主义者态度开放，也擅用不同媒界创作，一直在尝试融合诗画二事，米罗曾将一首诗拆开，成为他绘画的题目，又尝试在画里表达他的诗意性，米罗的画虽然被认为是抽象画，但很多时候他笔下绘画的都是符号，而从符号之中，大概可见到它是星星、月亮，或是一只小狗/动物。比较起全抽象绘画，它们更见到米罗深受超现实主义影响，“他曾经历两次世界大战，还有一次西班牙内战，那年代再见证特权阶级统治，他是因为避难，才在乡间居住，在沙滩里仰望星空，启发了他绘画星座系列（Constellations，1940-1941）。及后他开始用星星月亮太阳来作画，而星座系列成了他的标志性语言。”谈到他受的艺术影响，罗馆长说米罗大约在三十岁到了巴黎，当年巴黎是世界最前卫的艺术中心，各个画派百家争鸣，他除了较受到影响的其实超现实主义，还有达达主义和立体派，“据他自言，他会从每个画派之中学习，但他不承认自己属于任何一个画派。”
刺杀绘画
米罗生前曾说过，自己“越来越重视在作品中使用的物料，为了让观众作出反应前就感受到冲击，我觉得一种丰富而有力的材料是必要的。这样，诗意就透过塑造的媒介表现出来。”他本来使用的物料就具颠覆性了，他会使用木材、聚合纤维板、黄铜板、砂纸、沥青等做创作，在上面刮擦、凿孔、黏贴、拼贴，各适其式，也许对米罗有基本认识的人来说，看是次展览，比较惊奇的是原来他有这么深受达达主义影响，例如就在入口处展出他在1933年绘画的油画（此作就简单的叫《Painting》），这画的起源，是他喜爱收集杂志，然后在杂志上剪下不同的“物件”，拼贴成作品。展览既有展出他当初的拼贴，又有展出他后来再演化成了的油画作品。大家都知道，拼贴和现成物（Ready Made）都是达达主义的惯技，米罗只是信手拈来，作为他的习作。
米罗为何伟大
米罗为何伟大，能与毕卡索、达利比肩？他又与其余二人有何不同？“有人称米罗为超现实主义画家，一般都说它创作的是抽象艺术，因为大家都很难用一个主义去定义他，他的兼容性很强，这是他跟毕卡索、达利很不同之处。提起毕卡索多想起立体主义，达利多想起超现实主义。另外，米罗也强调回归自然，无论他身在繁华的巴黎，或在那里，他每年都会抽出两个月，回到加泰隆尼亚的乡间，从自然中得到力量。”她说：“米罗好认真的对待不同媒界，跟不同年代的艺术家合作，他喜欢民间艺术，也和手工艺的师傅合作，创作度很广泛，创作期横跨六十年，相当难得。”
作品名称：夜晚夜莺之声的女人 Femme à la voix de rossignol dans la nuit
贩售作品尺寸：60*90 cm
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这幅《夜里的女人与鸟的声音》创作于1971年，以戏剧性的尺度和极简的手法呈现了梅罗一些最具特色的主题。鸟、女性和夜晚自从他事业的开端就成为梅罗宇宙中最诗意的元素之一。在这里，艺术家的想像力打造了一个新的情景，在这个情景中，这三个符号融合成了一个具有唤起感的单一意象：女人偷走了夜莺的歌声，而夜晚笼罩着她。这种诗意的想法在画布上以扁平、鲜艳的色块和稀疏的黑色符号形成了引人注目的对应。几乎有两米宽，《夜里的女人与鸟的声音》以巨大的尺度扩展了梅罗的词汇，通过形式的简化加强了他艺术的力量。
在1960年代和1970年代，米罗定居在他在马略卡帕尔马的大型工作室，最终能够同时绘制多幅大型画作，同时继续通过陶瓷实验和石版画表达自己。这个工作室由建筑师何塞普·卢伊斯·塞尔特设计，于1956年完工。这座新建筑后来又通过附近的索恩·博特罗（Son Botero）工作室的扩建，主要用于雕塑，为米罗提供了他自从1930年代末就一直梦寐以求的空间。
在帕尔马，被自己的艺术所包围，米罗开始了一段实验和对自己艺术不懈重新诠释的旅程。当时期工作室的照片展示了一个宽敞的房间，米罗的多幅画作在其中形成了符号、色彩和情绪的对话。《夜里的女人与鸟的声音》就是在这样一个热情活跃的时刻创作出来的。
在1970年代初，米罗正在为自己的一次历史性回顾展作准备，该展览于1974年在巴黎大皇宫举行。这次展览追溯了艺术家的整个职业生涯，展示了米罗早期已确立的作品以及他最近、最具实验性的画作，包括《夜里的女人与鸟的声音》。
米罗本人坚持要将他的最新作品纳入展览，直接从他的工作室将自1969年以来一直在创作的一百多幅画作送到了巴黎大皇宫。《夜里的女人与鸟的声音》作为一系列围绕着广阔的黑色形状构思的画作的一部分，其平坦的色彩区域主要是红色、黄色和蓝色。在展览中，这一系列作品被视为一次新的形式实验，梅罗意图通过扁平色彩区域和黑色书法笔触的交互来实现他艺术的符号。
《夜里的女人与鸟的声音》这样的作品是在长时间的阶段性创作中完成的，让形式和色彩逐渐确定自己的演变过程。在1974年，米罗解释了这种特殊的工作方法：“我分阶段工作——首先是黑色；随着其他阶段的到来，其他部分也会随之出现，而这些都是由黑色所给予我的”（Y. Taillandier，《梅罗：现在我在地板上工作》，收录于M. Rowell, Joan Miró, Selected Writings and Interviews, London, 1987，第285页）。在《夜里的女人与鸟的声音》中，黑色部分给构图带来结构和节奏：左边的形状与右边的星星区域形成了平衡，而三条垂直线将广阔的画布分成三个色彩区域。米罗在评论《夜里的女人与鸟的声音》时解释了他应用色彩的方式，这幅作品现在收藏于纽约现代艺术博物馆，是《夜里的女人与鸟的声音》之后的一年创作的。在黑色后，米罗会引入红色；一旦这部分完成，他只会在画中添加一点蓝色。他解释说：“然后我会花些时间观察画作，在所有红色都完成后，我开始知道该在哪里放蓝色”（摘自W. Rubin，《纽约现代艺术博物馆藏梅罗》，1973年，第102页）。其他颜色，如绿色和黄色，也是同样的过程。梅罗经常会相隔几周添加每个色彩区域，让作品随着时间呼吸和成长。
米罗透过连续的色彩区域创作方法，促使他巩固和浓缩了他的艺术所创造的符号系统。除了纯色外，《夜里的女人与鸟的声音》只由少数宽广而横扫的笔触组成。这些稀疏的符号在它们的苦行主义中是神秘的，它们以更新的强调凝结了梅罗内化的词汇。梅罗的朋友兼传记作者雅克·杜潘观察到：“在这段时期，米罗并没有试图彻底改变自己的语言，而是通过扩展它，有时将其剥离至基本要素。通过他的稀释和表面上的缺乏谨慎，‘画布’的图画能量实际上被放大，而他的绘画得到了显着的肯定”（J. Dupin，《梅罗》，巴黎，2012年，第338页）。此外，在强调色彩区域和手势式黑色笔触方面，《夜里的女人与鸟的声音》与抽象表现主义产生了共鸣。米罗在1940年代末曾是杰克逊·波洛克、威廉·德·库宁和阿尔希勒·高尔基等艺术家的巨大影响和灵感来源，后来在某些方面也接受了那一代年轻画家的感性。
《夜里的女人与鸟的声音》在其诗意意图方面延续了米罗艺术核心的诗歌与绘画之间的关系。作为雅克·普列韦尔和雷内·沙尔等诗人的朋友，米罗将他的画作构想为视觉诗歌：“我不区分诗歌和绘画”，他宣称（J. Dupin，《米罗》，2012年，第432页）。当米罗没有直接将文字编织进入他的画作时——正如他在20世纪20年代和之后的作品中所做的那样，比如《一颗星抚摸一位黑人女子的胸部》（1938年，泰特现代艺术馆，伦敦）——他赋予标题诗意的角色，悬浮在他画作的世界之上。因此，标题在米罗的艺术中起着至关重要的作用：“我在工作时找到我的标题，就像我在画布上将一件事物与另一件事物联系起来一样。当我找到标题时，我就活在它的氛围中。对我来说，标题成为了一个百分之百的现实，就像一个模特，比如别人躺下的女人。对我来说，标题是一个精确的现实”（J. Miró，《梅罗：我像一个园丁一样工作…》，收录于Joan Miró 1893-1993, 展览目录，巴塞罗那，1993年，第425页）。《梅罗于夜晚中如夜莺般的女人》以其广大而具有纪念性的简朴，捕捉了米罗在1970年代绘画中所传达的大胆、实验性的丰富感。
Joan Miró 这幅画作在不同场合展出的记录：
1974年5月至10月，于巴黎大皇宫（Grand Palais）的 Joan Miró 展览中展出，被列为第110号作品，并收录于目录第132页（有插图）。
1978年9月至11月，于威奇托州立大学埃德温·A·乌尔里奇美术馆（Wichita State University, Edwin A. Ulrich Museum of Art）的 Joan Miró：画作和版画 展览中展出。
1992年1月至3月，于横滨美术馆（Yokohama Museum of Art）的 Joan Miró：百年纪念展，皮埃尔·马蒂斯收藏 展览中展出，被列为第105号作品，并收录于目录第143页（有插图）。
2006年11月至2007年2月，于巴塞罗那米罗基金会（Fundació Joan Miró）的 Joan Miró 1956-1983：情感、情绪、手势 展览中展出，作品收录于目录第93页（有插图）。
有无压克力区别：
》有压克力 = 多一层保护 = 多一层反光
》没有压克力 = 少一层保护=可以直接看到作品质感较好
不知道怎么选：（若家中有小孩建议加压克力），（家里都成人，可以不要压克力）
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铝框选择：
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